─身体を使った表現を始めたきっかけから、聞かせてください。

もともとは写真や映像などのビジュアルアートから入って、大学では彫刻を学びました。彫刻の授業には、石や木、石膏、プラスチックなど、いろいろな素材に触れる時間があるんです。そこから工房に分かれて、一つの素材と向き合っていく。自分が何を扱う人になるのかを、選んでいくような過程です。

でも、そのなかで、あまり興味を持てる素材がなかったんです。粘土を触っているときも、その粘土がどんな形になるかということより、自分の手がどう触れて、どう形をつくっていくのか。その過程を見ていました。

そこで、自分が興味を持っているのは、素材の手前にある自分の身体なんだと気づきました。自分や相手の身体を素材にして、作品をつくってみようと思ったんです。人間の身体で彫刻をつくるようなところから、パフォーマンスが始まりました。

やっていくうちに、行為や意味だけでなく、形や音楽性そのものを面白く見せるダンスへの憧れも出てきて。ベルリンへ交換留学していた頃に、本格的にこの方向でやっていこうと決めました。

パフォーマンスは、自分の生活に近い表現でもあったんだと思います。美術作品を買ったり、所有したりすることが身近にある家庭ではなかったので、ものをつくって、ずっと保存しておくことに、あまり実感がなかった。一方で、人間の身体を使うことは、もっと日常に近かったんです。

“ur phantom eyes, our crystallized pains” with Ching Shu Huang & Géraldine Haas | photo by Anya Fedoronchuk @Rosas Performance Space 2024 September

─彫刻からダンスへ、表現の変化はスムーズだったんですか。

スムーズにはいかなかったですね。写真と映像が違うように、時間軸を持つ表現になると、考え方も変わってきます。

自分が何年かかけて取り組んできた動きも、最初は形をベースにつくっていました。やっぱり、静止画のようにものを捉える感覚が、バックグラウンドにあるんだと思います。そこで難しかったのが、ある形から別の形へ移っていく過程です。

AからBへ移る、そのあいだの方が、AやBそのものより大事なことがある。動きの素材をどうつなぐかが、素材そのものより重要になることもある。それは、ベルギーのP.A.R.T.S.で学んだことの一つです。

一方で、彫刻とパフォーマンスには、その場所へ行ってみなければわからない、という近さもあると思います。物質としてそこにあることや、空間のなかで経験すること。複製や保存が難しいというところにも、共通点があると思います。

─いま、作品をつくるときには、どんなことが出発点になりますか。

年代によって、つくり方や動機は変わってきました。20代前半は、「これをやってみたい」というアイデアから始めることが多かったです。最近は、やりたいことがいくつか並行していて、声をかけてもらったり、サポートを受けられたりする機会に、そこへ取り組んでいく感じです。

時間が重なると、作品も、育てていくものになってきます。植物のように、二年、三年、四年と、続けていることをどう育てていくか。今度上演する作品にも、五、六年前からの振付の実践を、ソロやトリオにしながら、少しずつ変えて続けているものがあります。

─作品のなかで音や空間について、どのように考えているのでしょうか。

もともと興味があるのは、空間としての音です。音楽のビートに動きを合わせるということをしてきていないので、音楽の使い方には、いまも苦戦するところがあります。

例えば、ポケットのiPhoneから出ていた音が、劇場の空間へ広がって、また縮んでいく。プロジェクターやスピーカーなど、いくつもの音源が、空間のなかに配置されている。そのとき、感覚がどう変わるのか。そういうことを考えています。

大学院にいた頃はフィールドレコーディングにもはまっていて、夜の街へ音を録りに行っていました。その音を再生しながら、もう一度録音することもやっていました。音に重力をかけるような感覚です。実際に、作品のなかでスピーカーを振り回したこともあります。

自分が何を見たいのか、何に感動するのかは、やっぱり大きいと思います。特定の場所と結びついた作品や、空間そのものを感じるような作品に惹かれる。それは、彫刻やインスタレーションから入ってきたこととも関係しているのかもしれません。

─新作『新しい神経の生花』は、どこから始まったんですか。

以前、作品の紹介文を考えていたときに、「複数の人間で神経系を新しく組み直して、立ち上げる」という説明をしたことがあったんです。その言葉が、自分のなかでしっくりきて。「神経系を組み直す」というイメージが残っていました。

複数人で一つの身体をつくるエクササイズも、ずっとやってきています。例えば、自分の身体の一部をいったん手放して、そこに誰かの左腕を接ぎ木するように考える。自分のものではない身体を使って、一つの形をつくっていくんです。

ワークショップでは、「生け花のように、自分の身体を相手の身体の一部として生けてみてください」と話すこともあります。そこから、生け花の天地人の考え方や余白など、基本的なアイデアについて話すようになりました。その二つが絡み合って、このタイトルにつながっています。

もう一つ、自分がやっているパフォーマンスが、幻肢痛に対する鏡療法に似ていると、人から言われたことがありました。そこから幻肢痛について調べるようになり、人工身体にも関心が広がっていきました。

8月に実施されたワークショップにて。鏡療法をモチーフにしたワーク。

─神戸では、どんなリサーチをしているのでしょうか。

まず、スタジオの外で、人工身体について知っていこうと思いました。神戸市内の義肢製作所では、工房のなかで、どうやってつくられているのかを見せてもらいました。大阪の製作所にも行って、義肢の歴史や、キリンなど、人間以外の動物の義足についても展示を見せてもらっています。

知らなかったことを知ると、「義肢」という言葉の重みや、そこから思い浮かべるものが変わります。例えば、エクササイズで自分の手を相手の手として扱ってみるときに、義肢がどんな過程でつくられているかを知っていると、やり方も変わってくるのかもしれません。

そのうえで、実際に使っている人にも話を聞きたいと思っています。つくられたものが、どう身体と組み合わさって、その人の身体の一部になっていくのか。そこに、自分の関心があるんだと感じています。

ただ、リサーチによって作品が変わりそうかと言われると、正直、まだそこまでは感じていません。もっとスタジオの外で過ごす時間が必要だと思っています。ただ、今回は一人でつくるわけではないので、スタジオのなかで、ほかの人との実践から進めていくこともできると思っています。

スタジオで過ごす時間は、とても大切です。でも、新しいものをつくるなら、やったことのないことをしないといけない。何になるかわからないことを、頑張ってやってみる。最近は、本を読んだり、出かけたり、人に話を聞いたりする時間を大事にしています。

─ 一緒につくるダンサーには、どんなことを求めていますか。

今回は、関西や神戸の近くで活動している人たちと出会うことも含めて、ワークショップをしました。個別に会いに行った人もいます。そのなかで、いろいろなバランスを見ながら、一緒につくる人を選んでいきました。

藤田彩佳さんとは、以前の作品でも一緒にやってきました。すごく信頼できる人ですし、過去の積み重ねを共有している人に、入ってもらいたいという気持ちがありました。また、仲宗根葵さん、住ノ江わあいさんもDANCE BOXのプログラムのなかで、一緒にワークショップを受けたり、同じ時間を過ごしていることも大きいです。そこで培った人間関係や、共有したものをベースに、クリエーションをしたいと思っています。ワークショップで経験したことを、少し変えて、リサーチやエクササイズに使うこともできるので。

ダンサーにできあがった動きを、どれだけきれいにやってもらうか、ということではなく、一緒にどうインスピレーションを生み出していけるか、ということを考えています。

9月に行われたクリエーションの様子。

─ 敷地さん自身も、自分の作品に出演し続けていますね。

これまでは、ほぼすべての作品に出ています。外から見ていると簡単そうに思えても、実際にやってみると、そうではないことがありますよね。「もっとシャープに」と言われても、やっている立場からすると違ったり、そもそも、やりたくないことだったりする。

自分の身体で何かをしなければならないことには、ある種の暴力性もあると思うんです。だから、その立場を自分でも共有することは、一つの責任の持ち方なのかもしれません。

それと、作品を内側から覚えておきたい、という気持ちもあります。

一方で、外から見なければつくれないところもある。自分も出たいし、外からも見なければいけない。その両方を、どうにか成立させたいと思っています。

─ 滞在してみて、新長田の街はどうでしたか。

個人的に、すごく好きです。まず神戸が、山も海もあって、街のサイズ感もちょうどよくて。

新長田には住んでいる知り合いがいるので、その人の生活や、住んでいる人同士の距離感を見ることができました。料理をつくって、フライパンのまま友達の家へ持っていくんです。昔の映画では見たことがあるけれど、一人暮らしで、フライパンを持って行ける距離に友達が住んでいるのは、結構珍しいと思うんです。ほかにも、自転車で走っていると、挨拶をされる。そういうコミュニティの強さを感じました。

─ 最後に、今回のクリエーションで大事にしたいことを教えてください。

いい意味で、リスクを取ることだと思います。作り方も、見せ方も含めて。

安全に進める方法はいろいろあると思うんです。でも、どの方向へ、どうリスクを取りに行くのか。それが大事だし、今回、期待されていることでもあるのかなと思っています。

 
編集者コメント

東京藝術大学大学院と、ベルギーのP.A.R.T.S.を修了し、横浜ダンスコレクション2020では若手振付家のための在日フランス大使館賞を受賞。敷地理は、美術とダンスの双方で経験を重ねながら、身体をめぐる表現を探ってきた。

今回の話で印象に残ったのは、身体の捉え方と、他者とつくるときの姿勢がつながっていることだった。相手の腕を、自分の身体の一部として扱ってみる。同時に、振付を渡す側である自分も、踊る側の立場を引き受ける。身体について考えることが、制作の方法にも及んでいる。

粘土に触れる手から始まった関心は、いま、ほかの身体へと広がっている。その積み重ねが、劇場でどのような形や時間になるのか。まだ見たことのない身体の関係を、客席から確かめたい。

聞き手・構成・文：岩本順平

国内ダンス留学＠神戸12期　Newcomer / Showcase#2
Creation Residence Artist
敷地理 振付作品『新しい神経の生花 | A Floral Lightning of New Nerves』

日時：2026年12月25日(金) 19:00、12月26日(土) 14:00 *両日ともアフタートークあり
会場：ArtTheater dB KOBE

振付・演出：敷地理
出演：藤田彩佳、仲宗根葵、住之江わあい、敷地理

公演詳細：https://db-dancebox.org/event/12755/
ご予約：https://12ki-ns2.peatix.com/